{"id":2536,"date":"2024-02-03T03:35:01","date_gmt":"2024-02-03T03:35:01","guid":{"rendered":"https:\/\/bienal.eba.ufrj.br\/?page_id=2536"},"modified":"2026-08-02T14:41:06","modified_gmt":"2026-08-02T17:41:06","slug":"artistas-3","status":"publish","type":"page","link":"https:\/\/bienal.eba.ufrj.br\/?page_id=2536","title":{"rendered":"Artistas"},"content":{"rendered":"\n
\"\"<\/span>
\n

<\/p>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n

\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
Ana Carolina Oliveira <\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

Abre Caminhos<\/strong><\/p>\n\n\n\n

desenho (impress\u00e3o digital para lambe-lambe). 210 x 178,2 cm
2025<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

Abre Caminhos \u00e9 um gesto urbano e ritual\u00edstico: o tridente de Exu, impresso em preto e vermelho, funciona como chamada, mem\u00f3ria e inscri\u00e7\u00e3o no espa\u00e7o da cidade. Inspirada na pintura Quilombismo (Exu e Ogum), de Abdias Nascimento, a obra transforma a linguagem do lambe-lambe \u2013 presen\u00e7a m\u00faltipla e popular dos muros \u2013 em dispositivo de resist\u00eancia, espiritualidade e reencantamento. Ao reunir quinze cartazes em painel, a obra retoma a visualidade das colagens em s\u00e9rie, t\u00e3o caracter\u00edsticas das ruas, mas a inscreve no espa\u00e7o expositivo como ritual de abertura e evoca\u00e7\u00e3o de caminhos. <\/p>\n\n\n\n

A obra prop\u00f5e a encruzilhada como filosofia: n\u00e3o um ponto de perda ou indecis\u00e3o, mas um lugar f\u00e9rtil de multiplica\u00e7\u00e3o de sa\u00eddas, de tr\u00e2nsito, d\u00favida e cria\u00e7\u00e3o. Nas filosofias afrodiasp\u00f3ricas, o tempo n\u00e3o se organiza em linha reta, mas em espirais e retornos; nesse sentido, o trabalho convoca a ancestralidade como presen\u00e7a viva, que reaparece e ressoa no agora. O futuro n\u00e3o \u00e9 um horizonte distante, mas pulsa no presente, em di\u00e1logo com a mem\u00f3ria coletiva.

Ao friccionar arte, grafismo, rua e mito, Abre Caminhos cria um ponto de suspens\u00e3o no ritmo acelerado do cotidiano: um convite a parar, escutar e reencantar o olhar. \u00c9 tamb\u00e9m den\u00fancia e gesto pol\u00edtico, ao reafirmar mundos e modos de vida que resistem apesar da tentativa de apagamento. Se na cidade tudo parece fechado, o cartaz anuncia: Exu risca sempre a possibilidade de um novo come\u00e7o.<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n
\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
Ana Clara Guinle<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

CORPO NEM T\u00c3O MEU, SOBREVIVA!<\/strong><\/p>\n\n\n\n

Instala\u00e7\u00e3o de fotografias (fotoperformances com interven\u00e7\u00f5es digitais). 115 x 75cm<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

Na busca incessante por pertencimento, LEVIANABADIA cria mundos. Frente \u00e0 sua condi\u00e7\u00e3o virtual, percebe-se impalp\u00e1vel. Ent\u00e3o, dissolve-se, atravessando os infinitos horizontes avistados pelas janelas. Na pot\u00eancia das imagens sonhadas, sem fronteiras, constr\u00f3i brechas para existir.<\/p>\n\n\n\n

LEVIANABADIA \u00e9 autofic\u00e7\u00e3o de Ana Clara Guinle \u2014 e tamb\u00e9m o nome da s\u00e9rie fotogr\u00e1fica por meio da qual sua exist\u00eancia se atualiza. Com um conjunto de imagens da s\u00e9rie, a instala\u00e7\u00e3o CORPO NEM T\u00c3O MEU, SOBREVIVA! investiga o limiar do desaparecimento do corpo como gesto de resist\u00eancia e busca por conex\u00e3o.<\/p>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/p>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n

\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
Ana Lu\u00edsa Oliveira<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

Limite INFLADO<\/strong><\/p>\n\n\n\n

airbag vest\u00edvel para refletir impactos da hiperprodutividade sobre o corpo humano Montagem manual por costura, constru\u00edda a partir de EVA, nylon, espuma, tubete, fita de gorgur\u00e3o e tinta prata. Di\u00e2metro: 22 cm, ajust\u00e1vel conforme a circunfer\u00eancia da cabe\u00e7a
2024 \u2013 2025<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

Limite Inflado \u00e9 um dispositivo vest\u00edvel que reage ao estresse do usu\u00e1rio, inflando ao redor da cabe\u00e7a e bloqueando vis\u00e3o e audi\u00e7\u00e3o para provocar uma pausa for\u00e7ada. Pensado para o ambiente de trabalho, como o corporativo \u2014 onde o corpo tamb\u00e9m \u00e9 continuamente testado em nome da performance \u2014, o projeto critica a cultura de produtividade extrema e o sistema neoliberal que transforma o corpo em instrumento de desempenho constante. Inspirado na Sociedade do Cansa\u00e7o, de Byung-Chul Han, o airbag atua como escudo contra a exaust\u00e3o mental, tornando vis\u00edvel o desgaste invis\u00edvel do trabalho excessivo e convida \u00e0 reflex\u00e3o.<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n
\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
Ana Porto e Rafael Felicio<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

Core
Monotipia<\/strong><\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

Folhas e p\u00e9talas de flores encontradas no campus Fund\u00e3o\/UFRJ Sobre papel texturizado 180g. 66,5 x 48 cm
2025<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

Com o uso de folhas e p\u00e9talas de flores do campus Fund\u00e3o\/UFRJ, Core representa como a natureza que nos cerca faz intrinsecamente parte de n\u00f3s. Esse nome foi pensado com o significado de estrutura, centro, pois a natureza tem um papel fundamental na constru\u00e7\u00e3o do sistema que chamamos de corpo. Os \u00f3rg\u00e3os centrais do corpo humano, texturizados com padronagens da natureza, demonstram que a estrutura do nosso ser \u00e9 formada justamente por ela. A obra \u00e9, tamb\u00e9m, uma reflex\u00e3o pessoal de estudantes que convivem diretamente com uma natureza que tenta retomar seu espa\u00e7o entre as paredes e corredores da EBA.<\/p>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/p>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n

\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
Antiaris Santos<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

Ap\u00f3s enchente<\/strong><\/p>\n\n\n\n

Acr\u00edlica, \u00f3leo, pigmento e pasta de cera sobre tela. 144 x 188 cm
2025<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

Em janeiro de 2024, a Baixada Fluminense foi tomada por uma tempestade que fez o Rio Botas transbordar, inundando casas e ruas. Da janela, observei a for\u00e7a das \u00e1guas submergindo a mata ciliar e avan\u00e7ando sobre meu lar, onde cada c\u00f4modo virou extens\u00e3o do rio. Uma \u00e1rvore \u00e0 frente da casa se tornou s\u00edmbolo de resist\u00eancia. Dois meses depois, uma nova cheia arrastou a mesma \u00e1rvore, revelando a pot\u00eancia criadora e destrutiva da natureza. Hoje, resta sua mem\u00f3ria, transformada em pintura, como lembran\u00e7a da devasta\u00e7\u00e3o ambiental.<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n
\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
Arthur Ramos Feltre<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

M\u00e1scara para uma \u00c1rvore<\/strong><\/p>\n\n\n\n

Gravura. Impress\u00e3o de textura de saco pl\u00e1stico, m\u00e1scara de papel e linha de costura sobre papel. 66 x 42,2 cm (obra sem moldura) e 78,7 x 62,6 cm (com moldura)
2025<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

Dos restos esquecidos, nasce uma matriz inventada, feita de marcas e texturas que carregam mem\u00f3ria e lirismo. No processo de imprimir, revelam-se as for\u00e7as do grafismo que habitam nesses objetos. Prote\u00e7\u00e3o e ruptura, vida e desgaste. A \u00e1rvore surge como um corpo sonhado, s\u00edmbolo de resist\u00eancia diante do caos e da polui\u00e7\u00e3o.<\/p>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/p>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n

\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
\u00c1tila<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

Flora\u00e7\u00f5es de manga<\/strong><\/p>\n\n\n\n

\u00d3leo sobre madeira . 60×80 cm
2025<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

Flora\u00e7\u00f5es de manga \u00e9 uma pintura a \u00f3leo que retrata Rebeka e Kerollyn, sobrinhas do artista e moradoras da Mangueira. A obra \u00e9 uma releitura de um retrato oitocentista. O artista adota a linguagem cl\u00e1ssica, mas desloca para o centro corpos negros e perif\u00e9ricos, historicamente invisibilizados, num gesto pol\u00edtico e po\u00e9tico. A mangueira e seus frutos atuam como met\u00e1fora do territ\u00f3rio, de sua gente e mem\u00f3rias, evocando a resili\u00eancia que floresce na escassez. A obra enla\u00e7a apagamentos ecol\u00f3gicos e sociais, denuncia desigualdades e, al\u00e9m disso, afirma a esperan\u00e7a e a pot\u00eancia que \u201cbrotam\u201d nas margens.<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n
\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
Bernardo Marques<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

Sem t\u00edtulo
da S\u00e9rie: Apanhador de desperd\u00edcios<\/strong><\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

Gravura em c\u00f4ncavo. 66×98 cm<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

Gravura pertencente \u00e0 s\u00e9rie Apanhador de desperd\u00edcios.
A obra \u00e9 feita a partir da reutiliza\u00e7\u00e3o do tetra pak, material com o qual a ind\u00fastria produz as caixinhas de leite, sucos, dentre outras bebidas. As m\u00e3os e a mente do artista transformam esse material refugado no processo de consumo em mat\u00e9ria e motivo de sua arte. Entre o l\u00fadico e o l\u00facido, o artista se equilibra, orientando o olhar do espectador n\u00e3o s\u00f3 para o sentido geral da obra, como para os detalhes que as comp\u00f5em. O processo de composi\u00e7\u00e3o, envolve amassamentos, incis\u00f5es, cortes, recortes e dobras do material.<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/p>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n

\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
Beta Azevedo <\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

Birimbitim<\/strong><\/p>\n\n\n\n

Instala\u00e7\u00e3o. Poliestireno, massa acr\u00edlica, tinta e verniz acr\u00edlico. 20 cord\u00f5es medindo aproximadamente 300 x 10 cm
2025<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

A Fava de Exu (Abrus precatorius) \u00e9 uma planta de valor simb\u00f3lico para diversos grupos, especialmente para os povos de religi\u00f5es de matriz africana e comunidades tradicionais em todo o mundo. Sua ampla distribui\u00e7\u00e3o mundial, principalmente em \u00e1reas tropicais e subtropicais, levou a uma diversidade de usos, dentre os quais destaco as pr\u00e1ticas lit\u00fargicas e ornamentais.<\/p>\n\n\n\n

Essas formas de utiliza\u00e7\u00e3o, aqui no Brasil, se devem ao papel crucial desempenhado pelos povos africanos que, em condi\u00e7\u00e3o de escravizados, dispersaram sementes vindas da \u00c1frica e incorporaram plantas nativas na readapta\u00e7\u00e3o de seus cultos. Tal fava faz parte desse compilado por ser uma esp\u00e9cie simb\u00f3lica do orix\u00e1 que reverenciamos em primeiro lugar (Exu). Ele \u00e9 o princ\u00edpio de tudo, aquele que desata os n\u00f3s e fornece a erva (Birimbitim), que se faz imprescind\u00edvel em um processo inici\u00e1tico. A fava em quest\u00e3o, ao passo que amadurece, se contorce em seu pr\u00f3prio eixo, at\u00e9 chegar ao ponto em que suas sementes ficam expostas e s\u00e3o expurgadas para a terra. Assim como na natureza, o processo natural de tor\u00e7\u00e3o \u2013 abertura \u2013 expurga\u00e7\u00e3o possibilita que a vida brote na terra. Interpreta-se tal movimento como um ciclo natural da vida, onde Exu, o senhor dos encontros e desencontros, proporciona contorcionismos singulares na vida, levando \u00e0 expurga\u00e7\u00e3o do objetivo da vida. Nela n\u00e3o h\u00e1 linearidade. Al\u00e9m disso, pensando no processo em que corpos dissidentes s\u00e3o socialmente contorcidos, encontram formas de expurgar novas vidas, possibilitando diferentes maneiras de (re)nascer e (re)viver, apesar das adversidades.<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n
\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
Bianca Sardinha Melo<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

\u201c\u00c0 merc\u00ea\u201c<\/strong><\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

Xilogravura e monotipia de sacola pl\u00e1stica. 42 x 59,4cm
2025<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n


\u00c0 merc\u00ea retrata uma cena de vulnerabilidade onde o pombo \u00e9 sufocado pela sacola pl\u00e1stica que envolve seu pesco\u00e7o e pesa ao longo dele. A figura da sacola retrata impasses coletivos ou individuais, impostos ou voluntariamente sofridos por n\u00f3s. J\u00e1 o pombo, um sujeito impossibilitado de voar, v\u00edtima do ambiente ou at\u00e9 de si mesmo, preso \u00e0quilo que o sufoca.<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/p>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n

\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
Brenda Cantanhede<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

SUSPENDER O C\u00c9U<\/strong><\/p>\n\n\n\n

Videoarte<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/a><\/figure>\n\n\n\n

Surge como um retorno aos s\u00edmbolos at\u00e1vicos de um passado quase esquecido, em di\u00e1logo com diversas poesias e teorias. Convido o espectador a adentrar um sonho coletivo, entendido como um ato pol\u00edtico e revolucion\u00e1rio. O projeto se insere no campo da videoarte, onde crio montagens de um cen\u00e1rio celestial a partir de imagens artificiais, acompanhadas de velas coloridas que filmei durante todo o processo de queima. Com dura\u00e7\u00e3o de seis minutos, documenta o caminho de derretimento das velas nesse espa\u00e7o imaginado, fazendo alus\u00e3o ao sonho, com a vela funcionando como um instrumento de conex\u00e3o, um portal para realidades invis\u00edveis.<\/p>\n\n\n\n

THEBRENDAS<\/strong><\/strong><\/p>\n\n\n\n

Ant\u00f4nio | Brenda Cantanhede | Chico | Cristiane | Rosita<\/strong> 
Show perform\u00e1tico musical. M\u00fasica experimental + voz + interven\u00e7\u00e3o po\u00e9tica. Dura\u00e7\u00e3o: 30′<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

Uma apresenta\u00e7\u00e3o que desafia os formatos convencionais de shows ao propor integra\u00e7\u00e3o entre m\u00fasica, artes visuais e presen\u00e7a performativa. A desconstru\u00e7\u00e3o da rela\u00e7\u00e3o tradicional entre p\u00fablico e banda ocorre por meio de recursos c\u00eanicos, participativos e visuais, construindo uma experi\u00eancia de arte expandida. A experi\u00eancia multissensorial da apresenta\u00e7\u00e3o traz para o centro do debate a constru\u00e7\u00e3o da subjetividade humana na contemporaneidade, marcada pelo monop\u00f3lio dos meios de comunica\u00e7\u00e3o de massa e pela ascens\u00e3o livre de discursos fascistas <\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n
\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
Bruna Ribas<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

CSN<\/strong><\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

Xilogravura. Relevo sobre madeira, tinta asf\u00e1ltica, poeira de ferro da csn. 80 X 110 cm 
2025<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

A F\u00e1brica deixou de ser apenas concreto e a habitar apenas o outro lado da cerca na rua, para se tornar digital e operante em todas as formas de persuas\u00e3o em massa dispon\u00edveis aos bra\u00e7os do capitalismo contempor\u00e2neo. A atualidade digital derrubou os muros da ent\u00e3o f\u00e1brica industrial, para traz\u00ea-la portas adentro de cada aspecto de nossas vidas di\u00e1rias. Somos, ent\u00e3o, o produto condensado da m\u00e1quina capital operante, atuando em nossos of\u00edcios di\u00e1rios como engrenagens da grande F\u00e1brica, que segue pulsante em incessante e silencioso funcionamento. <\/p>\n\n\n\n

Sob a est\u00e9tica de pixels, bits e glitches, a traduzir as telas atrav\u00e9s das quais consumimos a maior<\/p>\n\n\n\n

parte das imagens que chegam at\u00e9 n\u00f3s diariamente, o trabalho traz para a mat\u00e9ria da madeira a descri\u00e7\u00e3o de uma realidade atual e poss\u00edvel em nosso cen\u00e1rio global, principalmente em se tratando das consequ\u00eancias dos impactos ambientais vividos no atual antropoceno. Ao mesmo tempo, retrata uma paisagem de cunho afetivo em se tratando da \u201cterra natal\u201d vivenciada pela artista, trazendo para a superf\u00edcie do trabalho tamb\u00e9m a pr\u00f3pria mat\u00e9ria dessa atual realidade: a poeira de ferro que paira no ar da cidade proveniente da F\u00e1brica.<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/p>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n

\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
CHENDO <\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

S\u00e9rie: CARNES
2024\/25<\/strong><\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

“O meu buraco” 
<\/strong>Tinta a \u00f3leo e poliuretano s\/ tela. 90 x 74 cm<\/p>\n\n\n\n

“Fora da caixa” 
<\/strong>Tinta a \u00f3leo e acr\u00edlica s\/ tela. 90 x 60 cm <\/p>\n\n\n\n

“Ensaio”
<\/strong>Poliuretano e sangue falso s\/ tela. 26 x 26 x 15 cm<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

Duas carnes, vermelha e verde, cores opostas cromaticamente, d\u00edspares, que quando juntas se completam, formando um efeito visual chocante. A carne passeia pelas obras, viva, se transformando incessavelmente. A vermelha \u00e9 humana, que sangra e respira atrav\u00e9s da tinta a \u00f3leo, definida \u00e0 m\u00e3o, mais controlada. A verde \u00e9 artificial, estranha, com textura irregular, feita de poliuretano, despejada
descontroladamente.<\/p>\n\n\n\n

Ao longo das obras, a massa vermelha diminui, e a verde aumenta, colocando-se em voga, trazendo alus\u00e3o no medo e estranheza da quantidade de pl\u00e1stico que existe em nossa carne.<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n
\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
Cl\u00e1udia Lyrio<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

S\u00e9rie Hist\u00f3ria Natural
<\/strong>2020<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

“Rolinha-do-planalto”
<\/strong>\u00d3leo e grafite sobre linho. 100×80 cm<\/p>\n\n\n\n

“Jandaia-amarela”
<\/strong>\u00d3leo e grafite sobre linho. 100×80 cm<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n


Na s\u00e9rie Hist\u00f3ria Natural (2019 ao presente), voltada a pensar a crise clim\u00e1tica e a devasta\u00e7\u00e3o dos biomas, as pinturas a \u00f3leo representam p\u00e1ssaros em um ambiente que permanece no desenho (grafite). Cada ave porta uma etiqueta com a sigla do status de conserva\u00e7\u00e3o de sua esp\u00e9cie na natureza, conforme classifica\u00e7\u00e3o internacional. Olhar o p\u00e1ssaro etiquetado fora da paisagem (Est\u00e1 \u00e0 venda? Est\u00e1 taxidermizado? Est\u00e1 numa vitrine?) \u00e9 pensar ilus\u00e3o e quebra de ilus\u00e3o, exalta\u00e7\u00e3o da natureza e alerta de extin\u00e7\u00e3o. Apresento, na Bienal, a Rolinha-do-Planalto (CR= em perigo cr\u00edtico) e a Jandaia-amarela (EN = em perigo). O t\u00edtulo da s\u00e9rie aponta a base ir\u00f4nica do projeto.<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/p>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n

\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
David Lima <\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

Lugar \u00e0 Mesa<\/strong><\/p>\n\n\n\n

ilustra\u00e7\u00e3o digital impressa em tecido sint\u00e9tico. 200 x 200 cm
2022-2023<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

A  obra nasce do fasc\u00ednio por mesas repletas de pessoas e de um desejo pessoal de pertencimento. Da conversa na mesa de bar \u00e0 reuni\u00e3o familiar na ceia de Natal, dos churrascos aos finais de semana aos parab\u00e9ns dos anivers\u00e1rios \u2013 a mesa \u00e9 um microcosmo onde se cruzam encontros, risos, sil\u00eancios e mem\u00f3rias. Sendo uma releitura da \u00daltima Ceia, a obra celebra a brasilidade e a cultura preta contempor\u00e2nea, reunindo corpos diversos e gestos cotidianos repletos de simbolismos. Mais do que sobre rela\u00e7\u00f5es de afeto preto, a obra dialoga tamb\u00e9m acerca do desejo humano de ocupar um lugar pr\u00f3prio no mundo. <\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n
\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
Diana Akok\u00e1n<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

Santas Contempor\u00e2neas <\/strong><\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\u00d3leo sobre tela e borboletas de papel. 62 x 82 cm
2025<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

Desde 1994, Las Patronas distribuem comida e \u00e1gua para mitigar o sofrimento das pessoas a bordo do trem La Bestia, rumo aos Estados Unidos. Esse pa\u00eds, que criminaliza imigrantes latinos, \u00e9 not\u00e1vel causante de deslocamentos humanos pelo nosso continente.<\/p>\n\n\n\n

Na\u00e7\u00e3o com hist\u00f3rico imperialista, que disseminou disparidade social e viol\u00eancia pela Am\u00e9rica Latina, \u00e9 o segundo maior poluidor mundial, amplificador do aquecimento global que afeta principalmente as popula\u00e7\u00f5es mais vulner\u00e1veis. EUA \u00e9 a Sociedade da Inimizade de Mbembe. Las Patronas s\u00e3o o amor eficaz. A chama de empatia na fronteira mais escura.<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/p>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n

\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
EBA!<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

A Todo Tempo<\/strong><\/p>\n\n\n\n

Tinta acr\u00edlica, caneta posca e giz pastel oleoso sobre madeira. 21×155 cm
2025<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

A todo tempo, eu existo. A vida nunca para. A exist\u00eancia \u00e9 incessante. Quando durmo, eu sonho; e quando acordo, tenho que fazer escolhas.<\/p>\n\n\n\n

\u00c9 tudo parte de uma dicotomia, isso ou aquilo, e todos os caminhos s\u00e3o dif\u00edceis. \u00c9 preciso estar presente e se envolver, pois \u00e9 a multiplicidade de caminhos que torna a poesia interessante.<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n
\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
Eduardo Moura de Araujo<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

Tentativa Aterrorizada<\/strong><\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

Videoperformance. 2`30“
2025<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/a><\/figure>\n\n\n\n

A videoperformance prop\u00f5e um atentado terrorista invertido, em miniatura, veiculando sua perniciosidade da forma mais direta poss\u00edvel, desarticulada de rela\u00e7\u00f5es de causa e efeito exteriores. Busca di\u00e1logo com as puls\u00f5es de morte que perpassam o indiv\u00edduo na sociedade organizada, sendo controladas e reprimidas, ao mesmo tempo que diretamente articuladas em narrativas e pol\u00edticas. Assim, o v\u00eddeo coloca o indiv\u00edduo como, simultaneamente, agente e v\u00edtima de uma viol\u00eancia pura, desorganizada e v\u00e3, em um ato tautol\u00f3gico justificado pelo privil\u00e9gio da imagem t\u00e9cnica enquanto distribuidora de viol\u00eancia.<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/p>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n

\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
Ellen Seabra de Lima Mucci dos Santos<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

Cartografia de um corpo<\/strong><\/p>\n\n\n\n

Escultura\/Instala\u00e7\u00e3o. Impress\u00e3o 3D. 140x300x245cm
2020-2024<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

Cartografia de um corpo nasce durante a pandemia de um gesto manual de experimenta\u00e7\u00e3o. O corpo-feminino aparece como territ\u00f3rio e mapa: linhas-cicatrizes, vazios-feridas. A forma contorcida, que aos poucos se assemelha ao globo, exp\u00f5e a ambival\u00eancia do per\u00edodo \u2014 respiro da natureza, agravamento da viol\u00eancia de g\u00eanero. Entre ecofeminismo e mem\u00f3ria, a obra reinscreve o corpo como sujeito hist\u00f3rico que resiste. O material sint\u00e9tico derretido tensiona perman\u00eancia e fragilidade, presen\u00e7a e apagamento.<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n
\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
Erikson Ver\u00edssimo<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

Ibirapitanga<\/strong><\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

Gravura em metal sobre papel verg\u00ea. Grava\u00e7\u00e3o de folhas e cascas da \u00e1rvore Pau-Brasil (tupi: Ibirapitanga). s\u00e9rie 1\/5. 29,3 x 35,5 cm
2025<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

Ibirapitanga, nome tupi do pau-brasil \u2013 madeira vermelha \u2013, \u00e9 uma obra feita a partir de folhas e cascas dessa \u00e1rvore coletadas pelo artista. A obra prop\u00f5e um embate entre s\u00edmbolo nacional e mat\u00e9ria violentamente extra\u00edda da paisagem. O uso da pr\u00f3pria \u00e1rvore reinscreve a bandeira em mat\u00e9ria viva, tensiona s\u00edmbolos nacionais e a hist\u00f3ria da pilhagem colonial que transformou territ\u00f3rios e vidas em mercadoria. Na gravura em metal, esses fragmentos vegetais deixam marcas fixadas com \u00e1cido, tornando-se documento que persiste mesmo diante da tentativa de apagamento.<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/p>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n

\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
F\u00e9lix<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

S\u00e9rie Tran\u00e7ar Caminhos
Sem Nome<\/strong><\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

Fio de nylon, mi\u00e7angas azul e vaso de cer\u00e2mica. Dois fios de 07m
2024<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

Tran\u00e7ar Caminhos prop\u00f5e a tecelagem como linguagem de ancestralidade e or\u00e1culo do invis\u00edvel. O gesto de tramar mi\u00e7angas \u2014 vidro, osso, argila, semente \u2014 reativa mem\u00f3rias corporais e espirituais, transformando o fazer manual em rito, resist\u00eancia e reconex\u00e3o. A instala\u00e7\u00e3o em grande escala expande a simbologia das guias e contas do Candombl\u00e9, criando caminhos e redes que evocam os fios da comunica\u00e7\u00e3o com o sagrado. Entre repeti\u00e7\u00e3o e ritual, a obra instaura um espa\u00e7o imersivo onde mat\u00e9ria, corpo e espiritualidade se entrela\u00e7am.<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n
\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
Gabriela Irigoyen<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

Somos Pl\u00e1sticos<\/strong><\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

Livro de Artista. Impress\u00f5es a laser em papel vegetal unidas por canaleta pl\u00e1stica. 21,5 cm x 30 cm (fechado) e 39,5 cm x 30 cm (aberto)<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

Por meio de sobreposi\u00e7\u00f5es de imagens de m\u00e3os, capturadas por diferentes t\u00e9cnicas (fotografia, desenho e monotipia), o livro cria uma esp\u00e9cie de palimpsesto, onde as formas se confundem, fundem e transfiguram umas nas outras. As impress\u00f5es em papel vegetal transparente sugerem fluidez, mas est\u00e3o unidas por meio de uma canaleta pl\u00e1stica r\u00edgida, evocando simultaneamente leveza e aprisionamento. O livro ressoa em dupla dire\u00e7\u00e3o: somos seres capazes de adapta\u00e7\u00e3o, muta\u00e7\u00e3o e reinven\u00e7\u00e3o,contudo tamb\u00e9m absorvemos, literal e simbolicamente, o pl\u00e1stico que nos cerca e invade nossos corpos.<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/p>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n

\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
Gabriella Sales<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

A partir do interior<\/strong><\/p>\n\n\n\n

\u00d3leo sobre tela. 120x120x3cm<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n


A partir do interior prop\u00f5e uma reflex\u00e3o sobre os limites entre dentro e fora, e entre mem\u00f3ria e aus\u00eancia. A atmosfera azulada indica a complementaridade do interior e do exterior, onde os objetos apagados revelam presen\u00e7as dissolvidas pela a\u00e7\u00e3o humana e do tempo. O verde resistente e o branco que escorre instauram uma tens\u00e3o entre perman\u00eancia e esvaziamento, convidando a pensar sobre o que se perde, o que resiste e o que merece ser preservado.<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n
\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
Giu Cabral<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

Transforma\u00e7\u00e3o<\/strong><\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

Sementes e plantas germinadas, argila, casca de abric\u00f3-de-macaco, pastel oleoso e recipientes reutilizados de vidro com \u00e1gua. Dimens\u00f5es variadas.
2023 – atualmente<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

Transformar \u00e9 estar em um modo constante de acreditar nas possibilidades da vida. Ao relacionar os elementos da natureza \u2013 e a pr\u00f3pria natureza e suas metamorfoses \u2013 de encontro com as germina\u00e7\u00f5es humanas, a obra Transforma\u00e7\u00e3o busca fazer sentir que \u00e9 poss\u00edvel um desabrochar pr\u00f3prio e coletivo que pode ser vivenciado em um quintal. Quando nos perdemos de n\u00f3s por n\u00e3o podermos ser, cabe se encontrar no princ\u00edpio, e que nessa busca de ser quem se \u00e9, quando sentimos que fazemos parte da natureza, entendemos que as transforma\u00e7\u00f5es igualmente fazem parte de n\u00f3s. \u00c9 criar enquanto se cria.<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/p>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n

\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
Hannah Cunha<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

Ai que del\u00edcia o ver\u00e3o<\/strong><\/p>\n\n\n\n

\u00d3leo sobre tela. 55x55cm<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

Ai que del\u00edcia o ver\u00e3o parte da experi\u00eancia sensorial do calor extremo para refletir criticamente sobre os impactos das a\u00e7\u00f5es humanas no meio ambiente. A obra ironiza o imagin\u00e1rio solar e festivo do ver\u00e3o para revelar a realidade do calor intenso nas cidades, onde o corpo urbano, exausto, busca sombra em postes e enfrenta o asfalto quente. Refletindo sobre o entrela\u00e7amento entre o ser humano e seu meio, a obra investiga a ecologia cotidiana e as consequ\u00eancias pr\u00e1ticas e simb\u00f3licas do desequil\u00edbrio ambiental. N\u00e3o se trata de fantasia tropical, mas da realidade urbana contempor\u00e2nea.<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n
\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
Igor Affonso<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

Dataviz t\u00e1til-sonoro: Cartografias sens\u00edveis dos museus Fluminenses<\/strong><\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

Instala\u00e7\u00e3o interativa em MDF cortado a laser, guizos sonoros, tinta acr\u00edlica e QR code t\u00e1til para audiodescri\u00e7\u00e3o. 146 cm (A) x 220 cm (L) x 3 mm (E)
2025<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

Dataviz t\u00e1til-sonoro: Cartografias sens\u00edveis dos museus fluminenses \u00e9 uma instala\u00e7\u00e3o que traduz, para o campo t\u00e1til-sonoro, dados sobre acessibilidade comunicacional em museus do Estado do Rio de Janeiro. O trabalho transforma uma visualiza\u00e7\u00e3o de dados originalmente digital em experi\u00eancia corporal, convidando o p\u00fablico ao toque e \u00e0 escuta. O mapa em relevo, s\u00edmbolos, texturas e guizos permitem explorar informa\u00e7\u00f5es de forma n\u00e3o visual, instaurando uma nova gram\u00e1tica sensorial compartilhada entre artistas, designers e visitantes. A obra reflete sobre o direito de acesso \u00e0 cultura e evidencia a pot\u00eancia do design como pr\u00e1tica \u00e9tica, pol\u00edtica e po\u00e9tica.<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/p>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n

\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
Igor Totti<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

Serra Pelada<\/strong><\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

tinta acr\u00edlica e \u00f3leo sobre tela. 120 x 150 cm<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

A obra Serra Pelada resgata um dos epis\u00f3dios mais intensos e simb\u00f3licos da hist\u00f3ria recente, ocorrida no Brasil profundo: o maior garimpo a c\u00e9u aberto do mundo que, nos anos 1980, atraiu dezenas de milhares de homens ao sudeste do Par\u00e1, impulsionados pela promessa do ouro e sobreviv\u00eancia. A obra articula a tens\u00e3o entre a ocupa\u00e7\u00e3o humana em massa e o brutal impacto no territ\u00f3rio. \u00c9 constru\u00edda por uma linguagem visual \u00e0 base de uma t\u00e9cnica mista de tinta acr\u00edlica e \u00f3leo sobre uma tela, com uma imprima\u00e7\u00e3o do piso de concreto da Escola de Belas Artes. A paleta terrosa e os elementos pict\u00f3ricos densos evocam a sobreposi\u00e7\u00e3o de corpos que existem sob a desfigura\u00e7\u00e3o da paisagem, resultantes de uma extra\u00e7\u00e3o predat\u00f3ria e desordenada.<\/p>\n\n\n\n

Inspirada nas fotografias ic\u00f4nicas de Sebasti\u00e3o Salgado (in memorian), a obra vai al\u00e9m da documenta\u00e7\u00e3o para revelar a dimens\u00e3o tr\u00e1gica e coletiva da devasta\u00e7\u00e3o: n\u00e3o apenas humana, mas tamb\u00e9m ambiental. O solo escavado, a destrui\u00e7\u00e3o da vegeta\u00e7\u00e3o nativa e o desequil\u00edbrio ecossist\u00eamico ecoam como feridas abertas junto da aus\u00eancia de horizonte claro. Serra Pelada \u00e9, assim, uma obra visual vinculada ao custo real de uma l\u00f3gica de explora\u00e7\u00e3o e opress\u00e3o humana com o meio natural. A obra atua como memorial e den\u00fancia: convoca o olhar contempor\u00e2neo a refletir sobre as cicatrizes que o extrativismo deixa no corpo da terra \u2014 e nas vidas dos povos.<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n
\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
\u00cdndigo Braga<\/h5>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

Seres de Pl\u00e1stico I, P\u00f3s-Holoceno
S\u00e9rie Neof\u00f3sseis<\/strong><\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

Cimento, pigmento xadrez e polietileno. 6 x 29 x 26 cm
2025<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

Seres de Pl\u00e1stico I, P\u00f3s-Holoceno \u00e9 uma obra da s\u00e9rie \u201cNeof\u00f3sseis\u201d, esculturas de f\u00f3sseis de animais transexuais fict\u00edcios que viveram antes ou depois do nosso tempo. Trata-se de uma fic\u00e7\u00e3o atribu\u00edda ao futuro \u2013 o fict\u00edcio P\u00f3s-Holoceno, \u00e9poca que seguiria ao nosso atual per\u00edodo geol\u00f3gico \u2013, construindo um animal marinho que mimetiza, em sua forma, uma sacola pl\u00e1stica amplamente presente em seu ecossistema. O projeto pretende provocar sobre a exist\u00eancia queer sob uma perspectiva interespec\u00edfica, escancarando a rela\u00e7\u00e3o entre a artificialidade humana e a sua absor\u00e7\u00e3o pela natureza.<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/p>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n

\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
Isabelle Ribeiro<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

A curva do tempo<\/strong><\/p>\n\n\n\n

Escultura. Concreto moldado sobre base de concreto, com estrutura interna de vergalh\u00f5es e tapumes como forma. 230 \u00d7 14 cm
2025<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

Moldada a partir do afundamento real do piso da Escola de Belas Artes, A Curva do Tempo transforma a falha estrutural do edif\u00edcio em gesto escult\u00f3rico. O concreto registra o peso dos anos e a lentid\u00e3o da ru\u00edna, revelando o tempo como for\u00e7a que dobra e sustenta. A escultura n\u00e3o corrige o colapso, mas o torna vis\u00edvel. \u00c9 o ch\u00e3o que cede e, ainda assim, resiste, corpo e mem\u00f3ria de uma institui\u00e7\u00e3o que insiste em permanecer.<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n
\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
Josiana Oliveiras<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

Anteparo para o amanh\u00e3
s\u00e9rie “Entre as \u00e1rvores”<\/strong><\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

fotografia impressa em tecido sobre tela. 120 x 130 x 70 cm
2018 – 2023<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

O trabalho apresenta uma paisagem capturada no Vale da Lua, em Itaipava, Petr\u00f3polis-RJ.<\/p>\n\n\n\n

Ao dobrar a cena e projet\u00e1-la para fora da parede, gera-se uma outra dimens\u00e3o expositiva, ampliando o ponto de observa\u00e7\u00e3o e instaurando uma linha de tens\u00e3o visual que funciona como met\u00e1fora do \u201canteparo\u201d \u2014 algo que divide, protege, projeta e cria limites.<\/p>\n\n\n\n

O registro dessa paisagem n\u00e3o captura apenas sua beleza, mas tamb\u00e9m a resist\u00eancia de um territ\u00f3rio em transforma\u00e7\u00e3o. A fotografia torna-se um gesto de mem\u00f3ria e alerta diante da r\u00e1pida expans\u00e3o urbana e imobili\u00e1ria que amea\u00e7a a identidade da localidade.<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/p>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n

\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
Ju  Morais<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

Cacos I <\/strong><\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

Madeira usada, costura e croch\u00ea de arame. 147 x 105 cm<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

Madeiras cortadas, furadas como tecido por uma agulha, s\u00e3o unidas por pontos de arame. A costura e o croch\u00ea, deslocados de seu campo tradicional, tornam-se t\u00e9cnica de constru\u00e7\u00e3o, criando amarra\u00e7\u00f5es que sustentam, conectam, erguem. Aqui, o gesto manual se inscreve como estrutura. Entre o t\u00eaxtil e o arquitet\u00f4nico, a obra explora tens\u00f5es entre for\u00e7a e delicadeza, mat\u00e9ria e afeto. O fio, que um dia contornou corpos, agora organiza espa\u00e7o.<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n
\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n

Karen Cerqueira<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

Adiamento
S\u00e9rie: Ecos do Abandono<\/strong><\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

Gravura em metal. T\u00e9cnicas combinadas de \u00e1gua-forte e \u00e1gua-tinta. Impress\u00e3o em papel 300g. 14,8 x 21 cm<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

Em Adiamento, meditei sobre a nossa in\u00e9rcia e a marca que a aus\u00eancia deixa. Como no poema de \u00c1lvaro de Campos, heter\u00f4nimo de Fernando Pessoa, busco a ang\u00fastia daquele futuro que sempre fica para depois. A gravura, inspirada num pr\u00e9dio abandonado da UFRJ, me toca em um lugar sens\u00edvel: um esqueleto de concreto que, para mim, se tornou um monumento ao futuro que nunca chegou. O contraste entre o concreto e a vegeta\u00e7\u00e3o que avan\u00e7a n\u00e3o \u00e9 harm\u00f4nico, \u00e9 o eco da nossa pr\u00f3pria desist\u00eancia, o jeito que o ambiente encontra para preencher os restos que deixamos para tr\u00e1s. Os ecos silenciosos que v\u00eam das nossas pr\u00f3prias ru\u00ednas, sejam elas pessoais ou coletivas, mostram que n\u00e3o apenas nossas a\u00e7\u00f5es, mas tamb\u00e9m nossas pausas e aus\u00eancias, moldam nossos espa\u00e7os no mundo.<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/p>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n

\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
L\u00edvia Nuno<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

Artif\u00edcio Tropical<\/strong><\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

Acr\u00edlica sobre Algod\u00e3o
Aravita<\/strong> 1,60 m x 1 m
Presen\u00e7a <\/strong>1,04 m x 70 cm
Fish Lux<\/strong> 20 cm x 20 cm
2025<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

A s\u00e9rie Artif\u00edcio Tropical nasce da observa\u00e7\u00e3o da rela\u00e7\u00e3o do homem com a natureza e o cotidiano, debatendo temas como a artificialidade do meio natural, o capitaloceno e a durabilidade dos objetos de consumo, que hoje dominam o que antes era um espa\u00e7o org\u00e2nico, c\u00edclico e ef\u00eamero. A pesquisa se materializa e se concentra, tamb\u00e9m, em representa\u00e7\u00f5es visuais surrealistas, que satirizam o senso comum ao mesclar fantasia e realidade e ao reconfigurar a posi\u00e7\u00e3o da figura humana no mundo, de modo que a natureza ocupe e domine o espa\u00e7o de conv\u00edvio.<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n
\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
L\u00edvia Tata’pora<\/h5>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

Armadilha lll: um se divide em dois<\/strong><\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

Instala\u00e7\u00e3o. Casca de ovos e pregos. 2m de di\u00e2metro<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

L\u00edvia apresenta um conjunto de obras reunidas na s\u00e9rie Armadilha. Fruto de um processo cont\u00ednuo desenvolvido ao longo de sua gradua\u00e7\u00e3o em Artes Visuais \u2013 Escultura, a s\u00e9rie nasce de uma investiga\u00e7\u00e3o pol\u00edtica sobre o territ\u00f3rio, partindo das contradi\u00e7\u00f5es globais e das formas como elas se sobrep\u00f5em, se articulam, se estabelecem e coexistem, tanto no campo simb\u00f3lico como no material-hist\u00f3rico.<\/p>\n\n\n\n

Historicamente, armadilhas s\u00e3o ligadas a artefatos e artimanhas com objetivo da ca\u00e7a e captura. A armadilha tem o poderoso potencial de metamorfose, podendo assumir formas menos hostis \u2013 mas n\u00e3o menos letais \u2013 como um papel assinado ou um aperto de m\u00e3os. Armado o mecanismo, inicia-se uma rela\u00e7\u00e3o entre presa e ca\u00e7ador, em um jogo onde \u00e9 imperativo o disfarce para a captura de um animal, um inimigo ou um povo.

L\u00edvia cria, em sua terceira armadilha, uma interlocu\u00e7\u00e3o sobre as dualidades presentes na mat\u00e9ria. Da casca do ovo partida, exibindo seu aspecto fr\u00e1gil, brotam pregos, similar a uma flor de planta espinhosa. O trabalho busca compreender o fen\u00f4meno da contradi\u00e7\u00e3o presente em toda rela\u00e7\u00e3o da natureza: a briga entre os opostos movimenta o desenvolvimento da vida. Entre a fragilidade org\u00e2nica \u00e0 dureza industrial; o conv\u00edvio entre a fertilidade e a morte; o perec\u00edvel e o fixo, habita um que se divide em dois.<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/p>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n

\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
Luana Gomes<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

sobrevivendo na ebuli\u00e7\u00e3o global<\/strong><\/p>\n\n\n\n

Acr\u00edlica sobre blisters. 35,5 x 41 cm
2025<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

Sobrevivendo na ebuli\u00e7\u00e3o global trata da ang\u00fastia de se manter funcional em um mundo cujos recursos naturais se encontram cada vez mais escassos, assim como os impactos na nossa sa\u00fade, especialmente na sa\u00fade mental. Mesmo com o colapso clim\u00e1tico, desastres ambientais frequentes, falta de direitos b\u00e1sicos e de um futuro incerto, ainda devemos continuar extremamente produtivos, at\u00e9 que um rob\u00f4 possa nos substituir e sejamos descartados. E quando substituir? Qual o mundo que vai sobrar?<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n
\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
Lucas Gusm\u00e3o<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

“Para onde ir no fim do mundo?”<\/strong><\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

Acr\u00edlica e \u00f3leo sobre tela. Di\u00e2metro de 70cm
2025<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

Em Para onde ir no fim do mundo? , Lucas Gusm\u00e3o faz do trompe-l\u2019\u0153il \u2014 a ilus\u00e3o que engana o olho \u2014 sua ferramenta de condu\u00e7\u00e3o para criar camadas de sentido que se revelam aos poucos.<\/p>\n\n\n\n

Num primeiro instante, \u00e9 a simplicidade de uma natureza morta, um gelo derretendo e a p\u00edlula que repousam sobre a superf\u00edcie de uma porcelana ornamentada \u2014 heran\u00e7a de um requinte importado, legado de lou\u00e7as europeias e uma cultura dominante \u2014 com parte em chamas. O realismo detalhado, resultado do uso rigoroso do trompe-l\u2019\u0153il, cria uma presen\u00e7a t\u00e3o palp\u00e1vel que quase se pode tocar.<\/p>\n\n\n\n

Mas, \u00e0 medida que os contrastes da lou\u00e7a e das chamas instigam o movimento do observador, algo se revela camuflado: pequenas figuras de trabalhadores tamb\u00e9m sobre a superf\u00edcie. \u00c9 nesse detalhe min\u00fasculo que mora o gesto pol\u00edtico e ecol\u00f3gico: evidenciar a consequ\u00eancia, embora escondida, que nossa organiza\u00e7\u00e3o tem sobre quem serve, quem limpa, quem sobrevive. A classe trabalhadora procura se dopar, fugir da realidade.<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/p>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n

\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
Lucas Mour\u00e3o<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

Peixes-bala
Pol\u00edptico<\/strong><\/p>\n\n\n\n

Peixe-tamarindo (Paracheirodon tamarindus)
Peixe-hortel\u00e3 (Puntigrus mentha)
Peixe-moranguinho (Hyphessobrycon fragaria)
Peixe-bolhete (Carassius oun\u00e1rio)
Peixe-Luquinha (Zebrasoma lucius)
Peixe-Beta (Betta septem)
Peixe-Iara (Microdevario malus)
Peixe-caramelo (Symphysodon cal\u0103mu)
Peixe-coco (Poecilia cocos) S\u00e9rie Glicoichthyes<\/strong><\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

Aquarela sobre papel 100% algod\u00e3o. 22 x 30cm
2025<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

O pol\u00edptico Peixes-bala re\u00fane nove aquarelas que hibridizam peixes ornamentais e embalagens de balas da cultura brasileira. Compondo a s\u00e9rie \u201cGlicoichthyes\u201d, as obras tensionam entre o natural e o artificial, refletindo sobre o que se dissolve e o que permanece \u2014 o doce sabor ef\u00eamero e o pl\u00e1stico de longa dura\u00e7\u00e3o. Com uma est\u00e9tica pop e nost\u00e1lgica, essas esp\u00e9cies revelam a banaliza\u00e7\u00e3o dos res\u00edduos em meio ao consumo. Ao transformar afetos em cr\u00edtica ecol\u00f3gica, Glicoichthyes convoca, com um olhar nost\u00e1lgico, a reconhecermos nossa responsabilidade ecol\u00f3gica.<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n
\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
Lucas Muniz Reis<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

Di\u00e1rio Visual de Quarentena por Sem Cabe\u00e7a<\/strong><\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

Livro em impress\u00e3o a laser sobre pap\u00e9is variados, com encaderna\u00e7\u00e3o manual em costura. 10,5x11x1cm (fechado). 39,5×37,5cm (aberto)<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

Editado a partir de um di\u00e1rio visual livre, o livro experimenta possibilidades de conte\u00fado e formato a fim de estimular varia\u00e7\u00f5es de leitura. As p\u00e1ginas, com aberturas diversas, misturam colagens, desenhos, textos e apropria\u00e7\u00f5es de impressos, sobretudo ef\u00eameros presentes no cotidiano. A montagem manual, com trechos diferentes em cada exemplar, busca subverter a reprodutibilidade t\u00e9cnica. Devido ao contexto em que foi feito, aborda aspectos da pandemia, como a morte e o isolamento. Apesar do excesso de informa\u00e7\u00f5es, refletir a sociedade de consumo demanda aten\u00e7\u00e3o e intera\u00e7\u00e3o ativa para ser lido.<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/p>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n

\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
Lucca Toscano<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

Aglutina\u00e7\u00e3o<\/strong><\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n


Fotografia<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

Aglutina\u00e7\u00e3o consiste em fotografias de diferentes objetos que estavam abandonados e foram incorporados pela natureza. Tim Ingold, em Trazendo as coisas de volta \u00e0 vida: emaranhados criativos num mundo de materiais, prop\u00f5e a ideia de coisa em oposi\u00e7\u00e3o \u00e0 no\u00e7\u00e3o de \u201cobjeto\u201d \u2013 delimitado e fixo. Coisas s\u00e3o compostas por tudo aquilo que interage com elas. Os seres que vivem na casca de uma \u00e1rvore tamb\u00e9m s\u00e3o parte dela, por exemplo.<\/p>\n\n\n\n

Nas fotografias, vejo que os \u201cobjetos\u201d abandonados podem ser melhor compreendidos como coisas. N\u00e3o t\u00eam in\u00edcio ou fim. Est\u00e3o vivos, emaranhados e em constante conforma\u00e7\u00e3o.<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n
\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
Luisa Pereira<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

S\u00e9rie: O AGRO \u00c9 POP
Descartav\u00e9l<\/strong><\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

V\u00eddeo performance. 2’38”
2024<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/a><\/figure>\n\n\n\n

Descart\u00e1vel \u00e9 uma v\u00eddeoperformance que faz parte da s\u00e9rie O AGRO \u00c9 POP. A partir da apropria\u00e7\u00e3o e subvers\u00e3o da propaganda, os trabalhos t\u00eam como objetivo fomentar uma narrativa cr\u00edtica sobre o consumismo, meio ambiente e g\u00eanero. Com pinturas, instala\u00e7\u00f5es e performance, a pesquisa O AGRO \u00c9 POP constr\u00f3i iconografias onde se evidencia o que n\u00e3o \u00e9 mostrado nas embalagens, e onde elas v\u00e3o parar depois.<\/p>\n\n\n\n

Derramo seis garrafas pl\u00e1sticas de Coca-Cola sobre meu corpo, na areia da Ba\u00eda de Guanabara, no alojamento da UFRJ. O res\u00edduo pl\u00e1stico \u00e9 descartado na praia, integrando-se \u00e0 paisagem repleta de lixo.<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

Produto T\u00f3xico<\/strong><\/strong><\/p>\n\n\n\n

Acr\u00edlica sobre pl\u00e1stico
1,3m x 2m \\ 6,5m x 2m
2025<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

Produto T\u00f3xico \u00e9 uma instala\u00e7\u00e3o que faz parte da s\u00e9rie O AGRO \u00c9 POP. A partir da apropria\u00e7\u00e3o e subvers\u00e3o da propaganda, os trabalhos t\u00eam como objetivo fomentar uma narrativa cr\u00edtica sobre o consumismo e o meio ambiente. Aproprio-me de embalagens ic\u00f4nicas, subvertendo-as ao adicionar o s\u00edmbolo de transg\u00eanico. A repeti\u00e7\u00e3o desse s\u00edmbolo traz reflex\u00f5es sobre a linguagem da publicidade. Se a Pop Arte norte-americana fetichizava a mercadoria, aqui a apropria\u00e7\u00e3o desmistifica os signos.<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n
\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
Marcos Alany<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

O Palco foi o Mar
S\u00e9rie: Passagem de Bast\u00e3o<\/strong><\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

Colagem, pintura e desenho digital \/ lambe-lambes. papel couch\u00ea fosco 120g\/m2. 29,7 x 42 cm
2024<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

O Palco Foi o Mar – S\u00e9rie: Passagem de Bast\u00e3o (2024) \u00e9 fruto do trabalho de conclus\u00e3o de curso do autor, que investiga a mem\u00f3ria e o legado de Jo\u00e3o C\u00e2ndido e dos marinheiros da Revolta da Chibata (1910), em resist\u00eancia \u00e0s injusti\u00e7as impostas pela Marinha do Brasil. A obra utiliza o lambe-lambe como m\u00eddia de resist\u00eancia, unindo passado e presente. Guiado pelo conceito de Sankofa, s\u00edmbolo e filosofia africana da tradi\u00e7\u00e3o Adinkra, o processo de cria\u00e7\u00e3o \u00edntegra colagem, desenho e pintura digital, combinando imagens hist\u00f3ricas dos marinheiros da revolta a registros pessoais do autor, realizados durante seu per\u00edodo de servi\u00e7o militar. A s\u00e9rie convida o p\u00fablico a levar adiante o legado desses homens do mar.<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n
\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
Maria Luiza Dan<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

Marca de Nascen\u00e7a<\/strong><\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

Escultura. Vergalh\u00e3o. 35 x 12 x 9cm<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

Marca de Nascen\u00e7a parte do gesto de marcar, a\u00e7\u00e3o que atravessa corpos, territ\u00f3rios e mem\u00f3rias. A escultura tensiona o s\u00edmbolo nacional ao fundir o ferro do poder e o fogo da domina\u00e7\u00e3o, transformando a bandeira em cicatriz. Feita em vergalh\u00e3o, a obra carrega o peso das estruturas que constroem e aprisionam, evocando o impacto humano sobre a terra e sobre si mesmo. Em \u201cMarca de Nascen\u00e7a\u201d, a bandeira n\u00e3o tremula ao vento: se crava na carne da hist\u00f3ria.<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/p>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n

\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
MEL<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

Fui feliz aqui<\/strong><\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

45 Cianotipias sobre papel 300g. 10,5 cm x14,8 cm – tamanho individual<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

O conjunto de cianotipias Fui Feliz Aqui \u00e9 feito a partir da cole\u00e7\u00e3o de pequenas plantas, como souvenirs, de diversos locais onde a artista esteve presente. De fato, para al\u00e9m da forma\u00e7\u00e3o est\u00e9tica e agrad\u00e1vel da diversidade de plantas e do azul da cianotipia, o t\u00edtulo \u00e9 um convite a pensar na valoriza\u00e7\u00e3o das pequenas coisas. A obra apresenta um sucinto jardim e \u00e9 uma pausa em um mundo ca\u00f3tico de informa\u00e7\u00f5es. Fui feliz aqui, \u00e9 um pequeno momento de medita\u00e7\u00e3o.<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n
\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
Miguel Felipe Magalh\u00e3es de Souza<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

Acho que amanh\u00e3 \u00e9 s\u00e1bado<\/strong><\/p>\n\n\n\n

\u00d3leo sobre painel. 60x60cm<\/p>\n\n\n\n

Ontem foi s\u00e1bado?<\/strong><\/p>\n\n\n\n

Tinta \u00f3leo sobre painel. 50x50cm<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

S\u00e1bado<\/strong><\/p>\n\n\n\n

\u00d3leo sobre compensado naval. 30x90cm<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

Acho que amanh\u00e3 \u00e9 s\u00e1bado
<\/strong>O pensamento que guia este trabalho \u00e9 o embate entre resigna\u00e7\u00e3o e o anseio por mudan\u00e7a. A luta entre a cren\u00e7a de continuar trabalhando mais e mais para alcan\u00e7ar outra posi\u00e7\u00e3o e a de que, depois de tudo, nada resultar\u00e1, de fato, em uma altera\u00e7\u00e3o, de que o que vive persistir\u00e1 at\u00e9 a sua morte. E sobre como cren\u00e7as, familiares e um algo externo, muitas vezes, s\u00e3o os elementos que acabam servindo como apoio ou combust\u00edvel para se aguentar a rotina e acreditar numa poss\u00edvel transforma\u00e7\u00e3o, na chegada ao s\u00e1bado.
<\/p>\n\n\n\n

S\u00e1bado
<\/strong>S\u00e1bado representa que nem sempre o que se esperava e buscava acontece. Em que muitas vezes acaba que o dia de descanso, por exemplo, torna-se o de resolver uma quest\u00e3o fora ou dentro de casa, e lidar com o que for poss\u00edvel no tempo que tem, e se o tem. A cena busca mostrar os personagens novamente no lugar de sempre, no trajeto, por\u00e9m, aqui est\u00e3o \u00e0 espera depois da quebra de um \u00f4nibus \u2013 contrasta com a ideia de achar que, s\u00f3 por ter feito tudo direitinho, chegado na hora, deixado espa\u00e7o para uma ou outra coisa, h\u00e1 o controle do que ocorrer\u00e1. N\u00e3o h\u00e1, e o que resta \u00e9 esperar o pr\u00f3ximo na esperan\u00e7a de conseguir fazer dar certo.

Ontem foi s\u00e1bado?<\/strong>
O que busquei representar no trabalho \u00e9 falar sobre o ciclo de uma rotina que impede a percep\u00e7\u00e3o do tempo e o seu aproveitamento. Onde a escura manh\u00e3, na qual o trabalhador sai, e a noite, retorna, acabam se misturando e impossibilitando uma certa diferencia\u00e7\u00e3o de em qual tempo a pessoa se encontra. O pensamento acaba sendo de ir de um ponto a outro, de concluir as etapas de cada dia e voltar bem para repetir novamente a rotina no dia seguinte. Nisso, certas no\u00e7\u00f5es acabariam sendo apagadas, e o que mais importa acaba sendo realizar, concluir<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/p>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n

\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
Paula Salgueiro<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

Brincando \u00e0 noite perto de casa<\/strong><\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n


videoarte. T\u00e9cnica: V\u00eddeo horizontal (1 canal). 1\u2019
2025<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/a><\/figure>\n\n\n\n

A forma como eu imaginava a metr\u00f3pole na inf\u00e2ncia se mistura \u00e0 experi\u00eancia real, agora que adulta.
Com brinquedos t\u00edpicos dos anos 2000 e sons de faz de conta, cria-se a fantasia de uma brincadeira sobreposta ao cotidiano.<\/p>\n\n\n\n

Conforme a noite se torna madrugada, a hora de brincar chega ao fim. E, como quando os pais desligam as luzes e voc\u00ea tem que demolir sua constru\u00e7\u00e3o, fica tarde demais para andar nas ruas do Rio.<\/p>\n\n\n\n

O v\u00eddeo se desmonta aos poucos.
S\u00f3 resta a lua que eu vi \u00e0s 2 da manh\u00e3 de uma noite de ver\u00e3o, na Urca.
Fui pra casa, deitei na cama, e agora eu-crian\u00e7a e eu-adulta podemos dormir.<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n
\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
Racrel<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

Floresc\u00eancia Neural<\/strong><\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

M\u00e1scara escult\u00f3rica em croch\u00ea. 25\u00d727cm
2024<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

Esta m\u00e1scara de croch\u00ea funde a delicadeza org\u00e2nica das flores com a complexidade anat\u00f4mica de um c\u00e9rebro, criando uma met\u00e1fora t\u00e1til sobre a rela\u00e7\u00e3o entre natureza e pensamento humano. Os pontos entrela\u00e7ados representam a teia de conex\u00f5es entre nossa consci\u00eancia (o c\u00e9rebro) e o mundo natural (as flores).<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n
\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
Rafael Frota<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

Metamat\u00e9ria: Fortuna<\/strong><\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

Fotografia h\u00edbrida digital. Impress\u00e3o em vinil adesivo sobre chapa de poliestireno. Pol\u00edptico – 65 x 100 cm
2024<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

Estas s\u00e3o imagens de ossos, \u00f3rg\u00e3os e cad\u00e1veres reais, cedidos pelo ICB-CCS\/UFRJ e pelo Museu de Anatomia da UFRJ. Assim, Metamat\u00e9ria: Fortuna torna-se um convite para que, diante da imagem do corpo morto \u2014 do destino inevit\u00e1vel (fortuna, em latim) \u2014, possamos nos entregar a um momento de reflex\u00e3o sobre a vida e lembrar que tamb\u00e9m somos natureza. O corpo \u00e9 a morada origin\u00e1ria da exist\u00eancia; desse modo, a forma como o habitamos pode ser compreendida como nosso gesto ecol\u00f3gico mais primitivo. Projeto desenvolvido no laborat\u00f3rio PHADEC (Photography: Art, Design & Communication).<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n
\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
Rafael Vilarouca<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

P\u00f3s-paisagem<\/strong><\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

V\u00eddeoarte. T\u00e9cnicas: fotografias e anima\u00e7\u00e3o. 9:37″
2020<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/a><\/figure>\n\n\n\n

Anima\u00e7\u00e3o constru\u00edda a partir de fotografias de murais que retratam paisagens naturais em espa\u00e7os p\u00fablicos do Cear\u00e1 \u2014 especialmente nas cidades de Fortaleza, Ic\u00f3 e Juazeiro do Norte. Ao remontar essas imagens fragmentadas, a obra prop\u00f5e uma metalinguagem da paisagem, tensionando os limites entre natureza e cidade, artif\u00edcio e realidade. No fluxo cont\u00ednuo das imagens, a paisagem \u00e9, ao mesmo tempo, condensada e desconstru\u00edda, deslocada de seu contexto original e reinserida em um movimento ficcional. O que emerge \u00e9 uma arqueologia visual, onde a idealiza\u00e7\u00e3o projetada nas representa\u00e7\u00f5es da natureza colide com a eros\u00e3o do tempo e da urbanidade.<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/p>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n

\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
Ra\u00edssa V\u00edtola<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

N\u00e3o-mapa de registros m\u00faltiplos<\/strong><\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

T\u00e9cnica mista. Cianotipia, transfer\u00eancia de imagens, caneta esferogr\u00e1fica, costura e monotipia sobre papel canson 300 g\/m2. 60cm x 59cm
2023<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

Normalmente, ao sair de casa, buscamos um destino para chegar e o GPS marca o caminho do deslocamento em um espa\u00e7o j\u00e1 definido. H\u00e1 um distanciamento muito grande entre nossas mentes e corpos e, com isso, a pr\u00f3pria Terra parece um conceito vago.<\/p>\n\n\n\n

Por 3 meses, realizei caminhadas no centro do Rio de Janeiro, com a mesma origem e destino final. Nelas, lembrei que tinha um corpo, porque meu \u00fatero do\u00eda, me fazendo refletir sobre as limita\u00e7\u00f5es de uma cidade constru\u00edda sob l\u00f3gica masculina.<\/p>\n\n\n\n

Percebi que, criando a partir de minhas caminhadas, o mundo passava tamb\u00e9m por meu entendimento, gesto e corpo.<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n
\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
Ryan Hermogenio<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

Pau-Brasil<\/strong><\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

Coautoria: IA Generativa. Arte digital impressa em papel fotogr\u00e1fico. 85 x 85 cm
2025<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

Pau-Brasil \u00e9 uma obra de arte digital que evoca a mem\u00f3ria de uma \u00e1rvore extinta, transformando aus\u00eancia em presen\u00e7a simb\u00f3lica. A obra tensiona fronteiras entre mat\u00e9ria e simula\u00e7\u00e3o, presen\u00e7a e aus\u00eancia, evidenciando como a digitaliza\u00e7\u00e3o se torna met\u00e1fora da perda irrevers\u00edvel. Ao refletir sobre os impactos hist\u00f3ricos do extrativismo e da coloniza\u00e7\u00e3o, a pe\u00e7a prop\u00f5e um di\u00e1logo entre mem\u00f3ria e consci\u00eancia ecol\u00f3gica: aquilo que foi saqueado precisa ser lembrado, inventado e, mesmo que em pixels, preservado como testemunho da natureza e da hist\u00f3ria.<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/p>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n

\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
Sarah Chrispino<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

Jardim Selvagem<\/strong><\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n


Xilogravura e monotipia sobre papel. 42\u00d759.4 cm
2025<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

Jardim Selvagem \u00e9 uma gravura que parte da observa\u00e7\u00e3o de flores urbanas que brotam em locais improv\u00e1veis, como terrenos baldios e rachaduras no concreto. Essas presen\u00e7as fr\u00e1geis e insistentes simbolizam a resist\u00eancia cotidiana diante da dureza do ambiente. A obra busca uma analogia com a experi\u00eancia humana: viver \u00e9, muitas vezes, sobreviver em um territ\u00f3rio hostil. Contudo, h\u00e1 beleza no esfor\u00e7o de desabrochar em meio \u00e0s adversidades. A gravura acolhe aquilo que floresce de forma espont\u00e2nea e indom\u00e1vel, celebrando a vida que encontra seu caminho mesmo sem garantias<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n
\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
SUMA<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

Objeto Vest\u00edvel (vers\u00e3o Matura\u00e7\u00e3o da Queda)<\/strong><\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

Gabardine, algod\u00e3o cru, barbatana e arame. Dimens\u00f5es aprox: 180 x 110 x 80 cm
2024<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

O presente trabalho, Objeto Vest\u00edvel (vers\u00e3o Matura\u00e7\u00e3o da Queda), surge do di\u00e1logo entre as Artes C\u00eanicas e as Artes Visuais. Inspirado em Fausto, de Goethe, a obra cria uma narrativa visual que reflete a rela\u00e7\u00e3o entre homem e mundo. As formas e texturas revelam a manifesta\u00e7\u00e3o visual da fr\u00e1gil e amb\u00edgua rela\u00e7\u00e3o das for\u00e7as criadoras e destrutivas da exist\u00eancia humana, abrindo para uma reflex\u00e3o do mundo a partir da imagem que evoca a fragilidade humana. Assim, o objeto materializa os conflitos internos de Fausto para al\u00e9m de uma compreens\u00e3o psicol\u00f3gica e evoca seu embate existencial e c\u00f3smico.<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n
\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
Tha\u00eds Frossard<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

Manto Vivo<\/strong><\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

Fotoperformance. Fot\u00f3grafo: Felipe Loren\u00e7\u00e3o. Modelos: Tha\u00eds Frossard, Nai Frossard e Maria Jos\u00e9 Ieker. 29,7 x 42 cm
2023-2024<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

O Manto Vivo \u00e9 um figurino feito com as flores Chuva de Prata, e que representa a reaproxima\u00e7\u00e3o do ser humano com a natureza. A cria\u00e7\u00e3o \u00e9 exibida atrav\u00e9s de uma fotoperformance. Toda a a\u00e7\u00e3o foi feita em um lugar que, para a autora, \u00e9 solo sagrado, onde ela se conectou com a natureza durante o seu crescimento. Tr\u00eas mulheres vestem o manto, e seus momentos atuais acompanham as fases da flor, em tr\u00eas recortes diferentes. O trabalho representa, tamb\u00e9m, os ciclos e a efemeridade, a fertilidade feminina e da terra e, especialmente, a fecundidade que trouxe a autora \u00e0 vida. Duas das performers s\u00e3o sua m\u00e3e e sua av\u00f3 paterna, representando as duas partes de sua fam\u00edlia. A cor branca da flor \u00e9 para representar todo o ciclo da vida: o in\u00edcio e o fim, e o come\u00e7o que nasce a partir de um encerramento \u2013 a origem que se perpetua atrav\u00e9s do tempo.<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n
\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
Thalita Loeser<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

Fluxos_<\/strong><\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

Videoarte. 1 ‘ 28 “
2025<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/a><\/figure>\n\n\n\n

Fluxos_ explicita o tr\u00e2nsito entre o natural e o digital, entrela\u00e7ando imagens e sentidos. Explora o \u201cEcos\u201d como morada \u2014 f\u00edsica e digital \u2014 e como reverbera\u00e7\u00e3o sonora, mem\u00f3ria em movimento. Revelando uma narrativa visual e sensorial que conecta passado e presente, mostra que natureza e tecnologia, embora distintas para o senso comum, compartilham afetos, ritmos e pulsa\u00e7\u00f5es que nos habitam e transformam.<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/p>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n

\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
Travadon4<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

Felidae – TD4<\/strong><\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

Videoarte<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/a><\/figure>\n\n\n\n

Aborda a tentativa de capturar algum registro de ser h\u00edbrido que, em alguns momentos, assume a forma humana e, em outros, a de um animal selvagem, ser esse que para muitas pessoas \u00e9 algo sagrado, mas que algumas pessoas t\u00eam medo desse corpo, desse ser misterioso.<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n
\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
Vanessa Marques<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

Anatomia dos Tub\u00e9rculos Fatigados<\/strong><\/p>\n\n\n\n

A enxaqueca da Cabe\u00e7a de Batata
Vertigem da Cabe\u00e7a de Mandioca
A Rinite da Cabe\u00e7a de Gengibre
O Edema da Cabe\u00e7a de Inhame’
A Hepatite da Cabe\u00e7a de A\u00e7afr\u00e3o-da-terra
O Sonho da Cabe\u00e7a de Batata-doce<\/strong><\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\u00c1gua-tinta, \u00c1gua-forte e Buril s\/ cobre. Impress\u00e3o s\/ papel Hahnemuhle 290g\/m\u00b2. 5,2 x 7, 4 cm<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

Em Anatomia dos Tub\u00e9rculos Fatigados, a gravura em metal se torna um tratado visual sobre corpos exauridos por um tempo que confunde exist\u00eancia com desempenho. As seis cabe\u00e7as de tub\u00e9rculos: batata, mandioca, gengibre, inhame, a\u00e7afr\u00e3o e batata-doce revelam, em suas rachaduras e brotos, sintomas de uma era fatigada. Entre controle e imperfei\u00e7\u00e3o, corros\u00e3o e resist\u00eancia, a s\u00e9rie reflete sobre o esgotamento contempor\u00e2neo e sobre a for\u00e7a vital que ainda insiste em brotar.<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n
\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
vega<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

[ infiltra\u00e7\u00e3o ]<\/strong><\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

Instala\u00e7\u00e3o. Gesso, l\u00e1tex, pregos, arame, pl\u00e1stico, esmalte vitral, resina e materiais org\u00e2nicos variados. 33 pe\u00e7as de dimens\u00f5es variadas
2025<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

[ infiltra\u00e7\u00e3o ] \u00e9 uma a\u00e7\u00e3o instalativa itinerante que j\u00e1 foi realizada no Rio de Janeiro, Salvador, Fortaleza, Recife e S\u00e3o Paulo, principalmente em espa\u00e7os p\u00fablicos, mas tamb\u00e9m em exposi\u00e7\u00f5es. Neste trabalho, s\u00e3o instaladas pe\u00e7as compostas por materiais org\u00e2nicos e de constru\u00e7\u00e3o, que, ao mesmo tempo em que se fundem com esses espa\u00e7os urbanos, como organismos h\u00edbridos que brotam do concreto, desafiam seu rigor e destrui\u00e7\u00e3o, como planta que resiste no asfalto.
Corpo estranho que altera lugares de passagem, permeando estruturas. Sedimenta\u00e7\u00e3o de materiais coletados em viv\u00eancias.<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n
\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
Vera Schueler<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

No Jardim<\/strong><\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

Acr\u00edlica e \u00f3leo sobre tela. 90 x 60cm
2024<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

No Jardim traz a imagem de uma jaca madura ainda no p\u00e9, pronta para ser coletada por um transeunte ou pequeno animal, um presente da natureza que faz cessar a fome, mesmo que temporariamente. Quando crian\u00e7a, minha m\u00e3e sa\u00eda pelas ruas da Ilha do Governador procurando por jacas maduras para trazer para casa. Com o passar do tempo, as \u00e1rvores frut\u00edferas foram sumindo da regi\u00e3o, os vizinhos foram parando de coletar frutas nas ruas, o ritual ancestral foi transferido para os supermercados, e aquelas belas \u00e1rvores que tinham o poder de alimentar ca\u00edram no esquecimento.<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n
\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
Vit\u00f3ria Alves<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

O Depois<\/strong><\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

Gravura em metal sobre papel Canson 200g. 29,7×42 cm
2024<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

O que vem depois da a\u00e7\u00e3o? O que vem depois da sobra? Quem ser\u00e3o os donos do resto?
A ilustra\u00e7\u00e3o desta gravura em metal, que beira a abstra\u00e7\u00e3o, transmite a energia do caos de quem consome aquilo que \u00e9 deixado \u00e0 beira das encruzilhadas pelas ruas do Rio de Janeiro.
Nos fatos, pombos assumem o controle de alguidares ofertados nas cal\u00e7adas, cobertos de sangue, comidas e bebidas. Deliciam-se, em conjunto, at\u00e9 que algu\u00e9m os espante. Depois deles, vir\u00e3o outros.
A energia se dissipa, ancorada naquela esquina, esquecida por seus feitores, jogada ao mundo e adquirida por aqueles dispostos a enfrentar for\u00e7as de santos para se alimentar do que vem depois.
O alguidar, por sua vez, ficar\u00e1 a cargo do tempo: dissolvido, quebrado, largado.
O esquecimento cabe \u00e0s pessoas, pois a rua n\u00e3o esquece seus caminhos.<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div><\/div>\n\n\n\n
\n
<\/div>\n\n\n\n
\n
\n
Vit\u00f3ria Christina<\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/strong><\/h5>\n\n\n\n

Fragmentos<\/strong><\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

S\u00e9rie feita a partir de suporte n\u00e3o convencional, porcelanato chapiscado quebrado em formato irregular. \u00d3leo sobre porcelanato. Triptico
Rua Prudente de Morais, 1062 – Ipanema<\/strong>. 44,5 x 20 cm
Rua 7 de Setembro,138 – Centro<\/strong>, 51 x 24,5 cm
Rua das Laranjeiras, 110 – Laranjeiras<\/strong>. 25 x 42 cm
2024<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

A cidade do Rio de Janeiro abriga um rico patrim\u00f4nio arquitet\u00f4nico, mas marcado pelo abandono e pela falta de manuten\u00e7\u00e3o. A exposi\u00e7\u00e3o Fragmentos homenageia tr\u00eas pr\u00e9dios tombados e critica a neglig\u00eancia que os condena ao desgaste. Utilizando suportes reciclados e o porcelanato como s\u00edmbolo de fragilidade, prop\u00f5e refletir sobre a preserva\u00e7\u00e3o, a responsabilidade coletiva e novas possibilidades para a pintura. Busca sensibilizar o p\u00fablico, resgatar mem\u00f3rias e transformar a aus\u00eancia em presen\u00e7a, promovendo di\u00e1logo e conex\u00e3o com a hist\u00f3ria.<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/p>\n\n\n\n

<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

<\/p>\n<\/div><\/div>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":"

Ana Carolina Oliveira  Abre Caminhos desenho (impress\u00e3o digital para lambe-lambe). 210 x 178,2 cm2025 Abre Caminhos \u00e9 um gesto urbanoContinuar lendo “Artistas”<\/span><\/a><\/p>\n","protected":false},"author":3,"featured_media":0,"parent":0,"menu_order":0,"comment_status":"closed","ping_status":"closed","template":"","meta":{"footnotes":""},"class_list":["post-2536","page","type-page","status-publish","hentry","entry"],"_links":{"self":[{"href":"https:\/\/bienal.eba.ufrj.br\/index.php?rest_route=\/wp\/v2\/pages\/2536","targetHints":{"allow":["GET"]}}],"collection":[{"href":"https:\/\/bienal.eba.ufrj.br\/index.php?rest_route=\/wp\/v2\/pages"}],"about":[{"href":"https:\/\/bienal.eba.ufrj.br\/index.php?rest_route=\/wp\/v2\/types\/page"}],"author":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/bienal.eba.ufrj.br\/index.php?rest_route=\/wp\/v2\/users\/3"}],"replies":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/bienal.eba.ufrj.br\/index.php?rest_route=%2Fwp%2Fv2%2Fcomments&post=2536"}],"version-history":[{"count":45,"href":"https:\/\/bienal.eba.ufrj.br\/index.php?rest_route=\/wp\/v2\/pages\/2536\/revisions"}],"predecessor-version":[{"id":3103,"href":"https:\/\/bienal.eba.ufrj.br\/index.php?rest_route=\/wp\/v2\/pages\/2536\/revisions\/3103"}],"wp:attachment":[{"href":"https:\/\/bienal.eba.ufrj.br\/index.php?rest_route=%2Fwp%2Fv2%2Fmedia&parent=2536"}],"curies":[{"name":"wp","href":"https:\/\/api.w.org\/{rel}","templated":true}]}}